Roberto Cavalli - Jim Jarmusch, Rock Musician #878 - Rare

Première édition

Jim Jarmusch, le célèbre réalisateur de "Stranger Than Paradise, Dead Man, Ghost Dog - Le Code du Samouraï, Coffee and Cigarettes, Broken Flowers, Only Lovers Left Alive et Paterson" ici en tant que musicien.
Quelle musicien ! Un guitariste vraiment très très doué, qui sur scène ne montre pas ses 67 ans !
Une très belle photo vraiment rare montrant le réalisateur en tant que musicien.

Photographie en haute résolution. Édition limitée à 50 exemplaires.
Étant imprimées sur du papier Fine Art, la qualité est très élevée et les images présentes ici ne peuvent pas restituer toute la beauté authentique.

Ces œuvres photographiques sont le résultat magique d'une grande recherche ininterrompue qui a duré plus de trente ans, ainsi que d'un travail à la fois intellectuel et manuel.

La photographie que je prends est ma vision artistique du monde.
Mia, unique, originale et inimitable.

Mes œuvres photographiques ont trouvé une place dans tous les coins du monde, des États-Unis d'Amérique à Hong Kong, en passant par toute l'Europe jusqu'à l'Islande, le Royaume-Uni et Taïwan.


Toutes mes photographies naissent de photographies prises personnellement par moi, sans l'aide de l'intelligence artificielle (IA).
Je prends personnellement chaque photo, puis je la retravaille personnellement en post-production.
Comme toujours, toutes mes œuvres photographiques sont originales, en édition limitée, avec certificat et signature au verso.

Faites toutes les offres que vous voulez, utilisez l'option "INSÉRER OFFRE MAXIMALE" en indiquant votre offre maximale et vous n'aurez plus à vous soucier de rien.

En plus d'être des œuvres photographiques originales, elles ont la particularité d'aménager admirablement chaque environnement ; l'effet visuel fort est la caractéristique de chacune de mes photographies, y compris celle-ci.
Dans les images, vous pouvez voir la simulation de cette photographie disposée dans différentes cadres, formats et environnements (maison, travail, etc.), juste pour avoir une idée plus précise d'un résultat final possible.
La bordure (blanche ou noire) sert à protéger la photographie, qui sera ensuite recouverte par le cadre ou l'étui à passe-port.

J'expédie personnellement cette photographie dans une boîte très protectrice (conçue et fabriquée à la main par moi) avec UPS - DHL - TNT en un jour ouvrable.



Jim Jarmusch
Jim Jarmusch est né à Akron (Ohio), fils d'une réalisatrice de théâtre américaine d'origines irlandaises et allemandes, et d'un entrepreneur américain d'origines tchèque et allemande. Jusqu'à l'âge de dix-sept ans, Jarmusch vit à Akron, puis il déménage à Chicago pour étudier le journalisme à la School of Journalism de l'Université Northwestern. Il ne reste dans cette ville de l'Illinois qu'un an, puis rejoint New York pour étudier la littérature à l'Université Columbia. Pendant ces années, il écrit plusieurs textes en prose et en poésie, dont certains sont publiés dans la Columbia Review, magazine de l'Université Columbia. En 1973, Jarmusch s'installe neuf mois à Paris pour une recherche sur André Breton et le surréalisme. Les théories à la base de ce mouvement artistique français influenceront profondément la future poétique cinématographique du réalisateur. À Paris, de plus, l'auteur découvre un vif intérêt pour le cinéma et fréquente assidûment la cinémathèque. De retour à New York, Jarmusch obtient un diplôme en littérature à l'Université Columbia, et la même année, il s'inscrit à la Graduate Film School de l'Université de New York.

La première œuvre cinématographique de Jim Jarmusch est « Permanent Vacation » (1980), un moyen-métrage réalisé dans le cadre de sa thèse de fin d'études. En 1984, le réalisateur conçoît son deuxième film, « Stranger than Paradise », grâce auquel l'auteur connaît un grand succès au Festival de Cannes de la même année en remportant la Caméra d'or, prix du meilleur premier film. De plus, le film remporte l'Orchidée d'or au Festival de Locarno.

En 1985, Jim Jarmusch rencontre Roberto Benigni au Festival du film et de la télévision de Salsomaggiore, tous deux membres du jury. À partir de ce moment, une forte amitié naît entre les deux artistes. L'acteur italien passe l'année suivante trois mois aux États-Unis pour jouer aux côtés de Tom Waits et John Lurie dans Down by Law, le troisième film de Jarmusch.

En 1989 et en 1991, Jarmusch réalise deux autres films, Mystery Train - Mardi soir à Memphis et Night on Earth : cette dernière œuvre est divisée en cinq chapitres et présente de manière ironique certaines dynamiques relationnelles à l'intérieur de cinq taxis dans différentes villes du monde : Los Angeles, New York, Paris, Rome (où apparaît encore Roberto Benigni) et Helsinki.

Jim Jarmusch musicien de rock
Silver Haze est la première œuvre des SQÜRL, projet du réalisateur avec Carter Logan (et l'aide de Charlotte Gainsbourg et Marc Ribot)


La nouvelle, c'est qu'à l'âge honorable de 70 ans, Jim Jarmusch fête avec Silver Haze le lancement du premier album du projet SQÜRL, dont il est le membre, aux côtés de Carter Logan, également cinéaste et musicien.

Ce n'est pas un caprice sénile, comme le savent ceux qui connaissent la biographie du réalisateur américain, actif dans sa jeunesse dans le sous-monde new-yorkais animé par l'osmose entre musique et cinéma : alors qu'il réalisait le premier long métrage Vacation Permanente, il était claviériste dans les Del-Byzanteens, un groupe de renom dans le cercle « no wave » gravitent autour du CBGB.


Dès l'adolescence, la musique a contribué à façonner ma vie et les décisions que j'ai prises au fil du temps.

Depuis leur adolescence, la musique a contribué à façonner ma vie et les décisions que j'ai prises au fil du temps, a confié il y a quelques semaines à « The Guardian ». Leur collaboration avec Logan remonte à l'époque de The Limits of Control, un film qu'il a réalisé en 2009 : en duo, ils ont enregistré quelques morceaux destinés à la bande sonore, se faisant appeler Bad Rabbit (leur nom actuel étant une contraction de squirrel, en revanche).


Et à partir de là, ils ne se sont plus arrêtés, enrichissant leur répertoire avec des compositions à caractère cinématographique pour leurs propres œuvres (Only Lovers Left Alive, Paterson et The Dead Don't Die) et pour celles des autres (les courts métrages de Man Ray, récemment sonorisés en direct en Italie).

Dans ce cas, cependant, il n'y a pas de second degré, dans le sens où le contenu musical dispose d'une pleine autonomie. Dans le processus créatif, le duo a fait appel à la suggestion des Stratégies Obliques (élaborées par Brian Eno et Peter Schmidt en 1975) et a utilisé en studio le producteur Randall Dunn, dont le parcours – renforcé par ses collaborations précédentes avec Sunn O))) et Earth – anticipe certaines thématiques de l'album, ouvert par le drone lourd de « Berlin ’87 ».



Accords massifs de guitare électrique soutiennent également le suivant « The End of the World », en soutenant le récit de Jarmusch, qui affiche une assurance de conférencier et raconte « une bande d'adolescents sauvages » observée par un vieil homme regardant par la fenêtre de son appartement, « un bunker surélevé ». Le ton change avec « Garden of Glass Flowers » : épisode instrumental à la Paris, Texas où l'on apprécie l'intervention de Marc Ribot, de nouveau en action lors de l'hommage à Michelangelo Antonioni rendu dans l'également évocatif « Le Désert Rouge ».

Le secteur des supporters est complété par deux voix féminines : dans « She Don’t Wanna Talk About It », la musicienne anglaise Anika dialogue avec le réalisateur dans un style Nancy Sinatra/Lee Hazlewood, distillant du spleen face à l'océan (« Arrivèrent les grandes vagues et tout le monde devint fou, tellement d'eau, de l'eau partout »), tandis que dans « John Ashbery Takes a Walk », on trouve Charlotte Gainsbourg en train d'aborder les poèmes Le Livre Est Sur la Table et Some Trees de l'auteur mentionné dans le titre, la figure la plus connue des poètes de la New York School, désignés comme « parrains artistiques » par les SQÜRL.



Ils concluent la séquence « Queen Elizabeth », un blues catacombal pour une femme perdue (« Quelqu'un dit que tu es revenue à Forth Worth, mais je crois que c'est L.A., où que tu sois, sache que je chante cette chanson pour toi »), et le morceau éponyme de l'album, dans lequel les arpèges de guitare se mêlent aux voltefacts cosmiques d’un synthétiseur.

Bien que la nature de l'œuvre soit programmatiquement amatrice («Nous sommes un groupe de rock marginal, passionné», indique la carte de visite), Silver Haze est bien plus qu'un divertissement oisif : ça sonne bien et ça fascine.


La photographie musicale
Comparée à d'autres genres de photographie, la photographie musicale est un genre plutôt récent, depuis les merveilleuses photographies d'Herman Leonard et Francis Wolff dans les clubs de jazz des années 40, 50 et 60 à New York et à Paris. Ce métier est devenu indispensable dans les années 60 avec l'avènement des concerts évènements des Beatles et des Rolling Stones, racontés par d célèbres photographies, par exemple de Robert Whitaker, Jim Marshall, Henry Diltz et Baron Wolman.

Aux côtés de l'appareil photo et du format, les objectifs sont de loin l'élément le plus important pour la qualité de nos images.

En parlant d'objectifs dédiés au live et en restant dans le domaine du 35 mm, nous devrions rechercher:

Objectifs lumineux, donc avec une ouverture de diaphragme d'au moins 2,8 (ou supérieure).

Objectifs fixes, c'est-à-dire objectifs principaux.

La luminosité des objectifs est indispensable car en photographie argentique, nous devons toujours nous rappeler la règle n°1 : exposer pour les ombres et développer pour les lumières.

Cela permet de ne pas exposer les ombres qui seraient autrement irrécupérables, mais rien n'empêche d'exposer pour les lumières de manière à isoler le sujet, ce qui est souvent le sens même d'un éclairage spot.

Avoir donc une ou deux protections contre la lumière supplémentaires, même si cela réduit la profondeur de champ (plus on ouvre le diaphragme, moins on obtient de profondeur), signifie parfois pouvoir réaliser des clichés qui, sinon, seraient tous sous-exposés ou sujets au flou de bougé (en raison de la nécessité de diminuer trop les temps d'exposition).

En ce qui concerne les focales fixes par rapport aux zooms, il serait nécessaire de rédiger un article dédié, mais à cette étape, considérons l'option moins intuitive : utilisez des objectifs fixes (et nous verrons bientôt lesquels), car :

Elles sont plus lumineuses (et plus légères)

Ce sont des lunettes sans compromis sur la qualité.

Ils obligent à se déplacer, donc à prendre souvent des photos plus intéressantes et engageantes.

Avons-nous un seul objectif disponible ? 35mm. C'est la lentille la plus polyvalente, la plus pratique, la plus utilisable (si nous avons un 24 ou un 50mm, nous partons de celui-là).

Nous disposons de deux objectifs. Chacun de nous préfère un type de photographie, il est donc difficile, voire erroné, de donner un conseil à ce sujet, mais nous pouvons faire quelques considérations :

Si vous aimez le reportage et la photographie de spectacle, les coulisses, le 35 mm est votre lentille numéro 1. À cela, on peut ajouter soit un 50 mm pour se rapprocher un peu du sujet (mais sans effet téléobjectivier), soit faire le choix inverse, c'est-à-dire un 24 mm : créer une plus grande profondeur de champ et une dramatisation de la prise de vue.

Si vous aimez les plans rapprochés et que vous ne pouvez pas vous en passer, alors le 90 mm (ou plus) sera votre choix. Dans tous les cas, si vous le pouvez, achetez toujours des objectifs à focale fixe. Travailler avec des zooms est indubitablement pratique, mais ne jamais avoir de référence de focale peut faire perdre la tête…
Photographier concerts analogiques
Équipement de photographie en direct
Technique de photographie musicale
Développement de pellicule pour concerts
photographie d'événements en direct en film analogique
Photographie de concerts avec Leica M6
Pellicule à haute sensibilité pour concerts
Kodak T-Max 3200 musique en direct
Ilford Delta 3200 spectacles en direct
Photographie push/pull de pellicule
Photographie musicale en noir et blanc
Exposition lors de concerts
Photographie de nuit en pellicule analogique
Techniques de développement de pellicule pour musique
Photographie analogique de performances en direct




PHOTOGRAPHIE EN NOIR ET BLANC
La première chose à faire est d'« entraîner » l'œil à regarder le monde en excluant totalement la couleur. Pour commencer, un bon exercice consiste à observer attentivement les photos des grands maîtres du genre. En partant d'un nom comme Henri Cartier-Bresson. Tu te rendras compte que dans leurs images, certains thèmes reviennent plus souvent. Une fois la distraction de la couleur éliminée, en effet, les formes, structures, motifs et textures présents dans la scène acquitteront une nouvelle – fondamentale – importance.

Réaliser des photos en noir et blanc percutantes ne signifie pas simplement retirer la couleur de vos images. Il faut penser en noir et blanc, voir la scène avec un regard différent, et « ajuster » la composition et les réglages de l'appareil photo pour obtenir le résultat parfait.