Roberto Cavalli - Somewhere, Loves / #594

Pourquoi offrir une simple Rolex ou un diamant identique à mille autres, quand tu peux être plus original?
Et offrir une inscription qui dit AMOUR sur fond rouge dans une œuvre photographique en édition limitée signée et en format vraiment grand !!
L'AMOUR te distingue de la masse. C'EST MERVEILLEUX !

En collaboration avec Catawiki, nous avons fixé des prix de réserve très bas : 100 euros pour les A2 et A3, 150 euros pour les formats XXL. Là où il n'y a pas de prix de réserve, la mise à prix est de 1 euro.



Comme il m'arrive souvent, pour prendre des photos comme celle-ci, je suis resté immobile, accroupi et caché, pendant très longtemps, même plus d'une heure.
Une heure avec l'appareil photo à la main, sans jamais le quitter des yeux, une heure à attendre que passent les bonnes personnes ou les véhicules les plus satisfaisants à mon goût.
Et il arrive que lorsque les bonnes personnes arrivent en même temps, passent des véhicules qui les couvrent, et donc il faut tout refaire et attendre encore, ou quand passent les véhicules qui m'intriguent, la lumière change et aplatisse toute la scène... encore du temps gaspillé et encore de l'attente en attendant.
Tout mon travail repose sur l'attente, qui est parfois épuisante, mais quand la magie opère, comme dans ce cas, je pense que cela en valait la peine.

Images banales ? Insignifiantes ?
Ce que je sais, c'est que ces œuvres photographiques sont très complexes et aussi très intrigantes. Très.

La photographie est ma vision artistique du monde.
Unique, originale et inimitable.
Il est uniquement à moi.

Faites toutes les offres que vous souhaitez, utilisez l'option "FIXER L'OFFRE MAXIMALE" en indiquant votre offre maximale, et vous n'aurez plus à vous soucier de rien.
J'envoie personnellement cette photographie dans une boîte ultra protectrice ( conçue et fabriquée à la main par moi) via UPS - DHL - TNT - BRT en un jour ouvrable.


Traduire en français.

CARTE D'ART FINE
Photographie en haute résolution. Édition limitée à 50 exemplaires.
La qualité des papiers Fine Art est très élevée, les images présentées ici ne peuvent pas reproduire entièrement la véritable beauté du papier photographique (la finition, l'épaisseur, etc.), qui s'exprime au maximum lorsque l'on voit une impression en personne, que l'on la tient en main, alors là, on reste sans voix.


MON TRAVAIL
Tout mon travail repose sur l'attente, qui est parfois épuisante, mais quand la magie opère, comme dans ce cas, je pense que cela en valait la peine.
Ces œuvres photographiques sont le résultat magique d'une grande recherche continue qui dure depuis plus de trente ans, et d'un travail à la fois intellectuel et manuel.


SUJETS ET SCÉNOGRAPHIES
Les photographies montrent des paysages parfois reconnaissables et parfois non, des lieux et des "coulisses" apparemment banals ou insignifiants, mais qui sont en réalité entièrement transformés par ma vision artistique du monde.
Mia, unique, originale et inimitable. Elle ne m'appartient qu'à moi.


PHOTOGRAPHIES QUI ONT TROUVÉ UNE MAISON
Mes photographies ont trouvé une maison dans chaque coin du monde, des États-Unis d'Amérique à Hong Kong, en passant par toute l'Europe jusqu'à l'Islande, le Royaume-Uni et Taïwan.


TECHNIQUE
Je m'appelle Roberto Cavalli alias #contengospazio, artiste et photographe avec plus de trente ans de passion et d'expérience.
Toutes mes œuvres photo graphiques naissent de photographies prises par moi personnellement, sans l'aide de l'intelligence artificielle (IA).
Je prends personnellement chaque photographie puis je la retouche personnellement lors de la post-production.
Comme toujours, toutes mes œuvres photographiques sont originales (non des copies d'autres œuvres ou des imitations), en édition limitée, avec certificat et signature au verso.

CONCEPTION et AMÉNAGEMENT
Mes photographies ont la particularité d'embellir chaque environnement ; l'impact visuel fort et l'originalité sont la caractéristique de chacune de mes photographies, y compris celle-ci.
Dans les images jointes, vous pouvez voir la simulation de cette photographie disposée dans différentes cadres, formats et environnements (maison, travail, etc.), afin d'avoir une idée plus précise d'un résultat final possible.
La bordure (blanche ou noire) sert à protéger la photographie, qui sera ensuite recouverte par le cadre ou l'étui à passe-port.

Livraisons en un jour partout dans le monde
J'envoie personnellement cette photographie dans une boîte ultra protectrice ( conçue et fabriquée à la main par moi) via UPS - DHL - TNT - BRT en un jour ouvrable.


Traduis en français.

PHOTOGRAPHIE
La photographie est cette série de processus qui, via des moyens techniques, permettent d'obtenir des photographies. L'action principale de la photographie est de prendre une photo, en référence à la technique d'utilisation d'un appareil photo, capable d'enregistrer de façon permanente les images optiques d'un objectif, puis de les rendre visibles, par impression photographique, projection sur écran pour une lecture directe ou sur moniteur/écran/TV (seulement pour la photographie numérique ou numérisée).

Dans un sens plus abstrait, la photographie est la technique et l’art de capturer des figures statiques ou changeantes ( personnes, animaux, plantes, objets, paysages, œuvres d’art, dans leur ensemble ou en particulier), faits, événements, toute manifestation de la réalité et de la vie, etc., non seulement dans le but d’en fixer fidèle l’image et le souvenir, comme moyen de présentation de la réalité, d’information et de communication ou de « reproduction », mais aussi en cherchant à saisir, et parfois à surprendre, dans leur immédiateté, les aspects les plus significatifs et évocateurs de la figure humaine et de la réalité en général, en les interprétant et, souvent, en les transfigurant par rapport à la réalité.

C'est une technologie qui, en raison de son extrême polyvalence, s'est développée dans des domaines très divers des activités humaines, tels que la recherche scientifique, l'astronomie, la médecine, le journalisme, etc., jusqu'à devenir dans certains cas une véritable forme d'art, malgré le fait que généralement, les photographies ne soient pas directement le fruit de notre imagination et de notre travail manuel, comme c'est habituellement le cas pour une peinture ou une illustration, mais qu'elles sont toujours et en tout cas le produit direct de la lumière, d'une lentille optique et d'une « machine » capable de capturer les mêmes images que nous voyons avec nos yeux, lesquelles ont comme référent, par nécessité, le monde physique.



PHOTO EN COULEUR
Depuis le milieu du XIXe siècle, les photographes ont souhaité colorier leurs images monochromes, avec la peinture à la main de photographies imprimées, une méthode largement utilisée au cours du XIXe siècle.

Nastro en tartan, photographie de 1861 de Thomas Sutton et James Clerk Maxwell
Nastro en tartan, 1861 Thomas Sutton / James Clerk Maxwell
L'invention de la photographie couleur a été un sujet très débattu, Levi Hill, un pasteur baptiste américain, affirmant avoir inventé une méthode dès 1851.
D'autres considèrent la représentation d'un ruban écossais prise environ dix ans plus tard, le prototype. Capture par Thomas Sutton (l'inventeur de l'appareil photo reflex à objectif unique), qui a utilisé une méthode de couleur additive inventée par le physicien mathématicien écossais James Clerk Maxwell, c'est également à cette période que l'inventeur Louis Arthur Ducos du Hauron élaborait une technique similaire, basée sur la théorie des trois couleurs qui reste au centre de l'impression aujourd'hui.


Sa méthode consistait en des filtres en verre recouverts de billes teintées de fécule de pomme de terre et aurait constitué la base pour les développements suivants, notamment l'autochrome, inauguré en 1907 par les frères français Auguste et Louis Lumière, inventeurs du Cinématographe. L'autochrome est un procédé qui a permis l'acquisition d'images en couleur avec un réalisme surpassant celui de ses prédécesseurs, devenant rapidement la forme dominante de la photographie couleur. Cependant, il était lent et pénible, nécessitant de longues expositions qui rendaient impossible la capture d'images en mouvement.


En 1936, Kodak a révolutionné la photographie en couleur avec la sortie du désormais légendaire Kodachrome. Un film inversible en couleur, il a permis de capturer des images étonnamment détaillées dans une palette expressive et pleine de couleurs, le rendant extrêmement populaire parmi les photographes commerciaux au cours de la deuxième moitié du XXe siècle. Cependant, les fournisseurs de styles plus « sérieux », tels que le photojournalisme, continuaient en grande partie à rejeter tout attrait des images en couleur, la considérant comme ostentatoire, dépourvue d'authenticité et comme un obstacle dans leur combat constant pour que leur médium soit considéré comme une véritable forme d'art.


Une exception autrichienne était Ernst Haas, qui, bien que n'étant pas toujours reconnu comme tel, a été en première ligne dans le premier mouvement de la couleur et a contribué à poser les bases pour ceux qui l'ont suivi. Travaillant initialement exclusivement en noir et blanc, son incursion dans l'imagerie colorée a commencé avec l'achat de son premier Leica, peu après son entrée à l'agence Magnum en 1949.

Photographe polyvalent, son travail a traversé à la fois le domaine commercial (il a été le premier à photographier le « Malboro Man ») et le photojournalisme, bien que c'est dans sa photographie de rue que son utilisation de la couleur est la plus profonde. Des images d'une ville magique, une série de photos couleurs de New York, est un excellent exemple de son virtuosité. Son utilisation d'angles insolites, de temps d'exposition lents et deReflets, offre un portraitPartiellement abstrait et sépia de la ville qui deviendrait plus tard sa maison, et reflète la personnalité d'esprit libre de Haas, montrant également les capacités artistiques du médium.

Saul Leiter, un contemporain de Haas, a été un autre important coloriste des premières années. Ses portraits des rues entourant sa maison à Manhattan dans les années 1950 et 1960 sont vraiment extraordinaires et illustrent l'approche artistique pour laquelle il est devenu par la suite célèbre.

Il avait l'œil d'un peintre pour la couleur et, comme Haas, flirtait avec l'abstrait, utilisant des angles, de la compression et, souvent, prenant des photos à travers des fenêtres dont les surfaces étaient invariablement voilées de vapeur, de pluie ou de reflets. Cependant, en contraste avec le dynamisme inhérent à la New York de Haas, Leiter a cherché de rares moments de sérénité, une approche qui reflétait sa propre réticence, même si des décennies s'écouleraient avant qu'il ne reçoive la reconnaissance qu'il méritait tellement.

William Eggleston, qui est largement considéré comme la figure la plus importante de la photographie en couleur. considéré comme le père de ce qui est maintenant connu sous le nom de Mouvement Couleur Américain, sa contribution à l'acceptation de ce style ne peut être sous-estimée, cependant, sans son ami moins connu et contemporain William Christenberry, l'histoire aurait pu être très différente.

Depuis la moitié des années 1950, Christenberry a utilisé son appareil photo Kodak Brownie pour capturer des images vernaculaires et souvent inquiétantes des paysages et des structures délabrées de son Alabama natal, en tenant compte de la forme et de la couleur, influencé par son parcours multidisciplinaire.

Il a rencontré le collègue du Sud Eggleston dans les premières années 1960 et le couple est rapidement devenu de proches amis. À l'époque, Eggleston travaillait exclusivement en noir et blanc, inspiré par les grands humanistes Robert Frank et Henri Cartier-Bresson, ainsi que par les images vernaculaires de l'époque de la Grande Dépression de Walker Evans. Mais, au milieu des années 1960, et surtout grâce à l'influence de Christenberry, il a commencé à expérimenter avec la couleur, une décision qui allait changer à jamais le médium.

Son état d'origine du Tennessee (où il demeure jusqu'à aujourd'hui) était, presque exclusivement, son objectif, bien que, malgré sa connexion évidente avec la région, son approche évitait délibérément la narration.

William Eggleston possédait la capacité extraordinaire de transformer ce qui semblait banal (une table vide dans une cafétéria, un vélo rouillé abandonné sur un trottoir) en instantanés enchanteurs et, à certains moments, surréalistes de la vie en banlieue en pleine modernisation dans le sud profond.

Au début des années 1970, il a commencé à expérimenter l'impression à transfert de couleur, un procédé qui permettait à l'utilisateur de contrôler la luminosité de la couleur. Cela a permis à Eggleston de mettre en valeur les tons déjà saturés qui imprégnaient ses images, les rendant ainsi encore plus suggestives ; sa représentation de 1973 d'une ampoule solitaire contre un plafond rouge sang a été sa première création utilisant ce procédé, et c'est sans aucun doute l'une de ses plus emblématiques, imprégnée d'un sentiment palpable de pressentiment qui incarne son talent inhabituel.

En même temps, un groupe de photographes au pensée libre explorait la couleur, et bien qu'ils aient peut-être été tous deux influencés et encouragés par Eggleston, ils étaient des figures clés dans le mouvement de la couleur à part entière.





L'AMOUR
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