Lot en fuite de Sodome – par Raffaello Sanzio (fin du XVIIIe siècle)
Peinture à l'huile sur cuivre | Sans cadre | Avec cadre

Introduction

Ce tableau sur cuivre est une reproduction du XVIIIe siècle tardif de Lot en fuite de Sodome, l'un des épisodes de la monumentale série des Logge di Raffaello dans le Palais apostolique du Vatican. La série de 52 représentations bibliques, conçue par Raffaello Sanzio (1483–1520) et réalisée par son atelier entre 1518 et 1519, est souvent appelée la « Bible de Raphaël ». L'œuvre présentée ici reflète la fascination continue pour le langage visuel de Raphaël au XVIIIe siècle, où sa clarté et son harmonie renaissances étaient considérées comme le modèle de la perfection picturale.

Description de la représentation

Une scène montre le moment dramatique de la Genèse 19 où Lot et sa famille sont exhortés par des anges à fuir la ville de Sodome, peu avant qu'elle ne soit détruite par Dieu en raison de sa corruption. Au premier plan, Lot marche avec ses deux filles, les mains jointes, tandis que sa femme s'arrête derrière eux et se retourne, en violation du commandement divin. À ce même instant, elle est, selon le texte biblique, transformée en un pilier de sel – une métamorphose ici suggérée par sa silhouette en blanc monochrome, un contraste marqué avec les couleurs vives des autres personnages.

L'arrière-plan est dominé par les murs et les tours de Sodome, enveloppés de feu et de fumée. Le contraste entre la famille sereinement en mouvement au premier plan et la destruction chaotique de la ville souligne le message moral de l'histoire : le salut et l'obéissance face à la ruine et à la désobéissance.

La composition est équilibrée et typiquement rafaëlesque : un mouvement horizontal clair de gauche à droite, une séparation nette entre les figures et l'arrière-plan, ainsi qu'une utilisation soigneusement orchestrée des gestes et des regards pour guider le spectateur à travers l'histoire.

Technologie et utilisation des matériaux

L'exécution à l'huile sur cuivre témoigne de l'appréciation du XVIIIe siècle pour des supports durables et raffinés. Le cuivre offrait une surface lisse sans absorption, permettant une application du pinceau extrêmement précise. Cela se voit dans les contours nets des figures, la représentation précise des draperies et les expressions faciales détaillées.

La palette de couleurs est intense et soigneusement choisie : le bleu de la fille à gauche, le vert de la vêture de Lot et le jaune doré de la deuxième fille sont équilibrés par le pourpre du manteau. Le rouge vif et l'orange de la ville en flammes forment un contrepoint dramatique. La femme de Lot est entièrement représentée en blanc, ce qui souligne sa cristallisation immédiate et la place hors de l'ordre naturel.

L'état de l'œuvre reflète son âge : craquelures sur toute la surface, perte de peinture localisée, et légère déformation de la plaque de cuivre en haut. Sous lumière UV, les retouches anciennes sont visibles, notamment dans les zones de ciel et d'architecture. La peinture a été récemment nettoyée professionnellement et recouverte d'une nouvelle couche de dammar, ce qui permet de préserver la lisibilité de la représentation.


Rafaël dans la Loggia di Raffaello

Les Logge di Raffaello ont été réalisées entre 1518 et 1519 sur ordre du pape Léon X, dans le cadre de la décoration du Palais Apostolique. Raphaël en a conçu toute la série, mais a confié la réalisation en grande partie à son atelier, comprenant Giulio Romano, Giovanni da Udine et Gianfrancesco Penni. La décoration de la loggia ne servait pas seulement d'embellissement visuel, mais avait aussi une fonction didactique : les visiteurs du Vatican pouvaient y voir, presque comme dans une Bible illustrée, les principaux épisodes de l'Ancien et du Nouveau Testament.

Le cycle a eu une influence mondiale et est considéré comme un sommet du style tardif de Rafaël. Il se caractérise par des compositions claires, l'utilisation équilibrée des gestes et l'idéalisation des figures, dans lesquelles la langue formelle classique de Rafaël est combinée à une clarté narrative.

Contexte stylistique et artistique

Le tableau montre comment le style de Raphaël est redevenu d'actualité au XVIIIe siècle. À une époque où le néoclassicisme et l'art académique faisaient office de référence, Raphaël était considéré comme un exemple incontesté d'équilibre, d'harmonie et de clarté intellectuelle dans la peinture.

Ce travail montre comment, au XVIIIe siècle, les suiveurs ne se contentaient pas de reproduire l'iconographie, mais tentaient également d'approcher le langage formel et l'idéalisation de Raphaël. La répartition des plans, l'utilisation des couleurs et l'expression contrôlée émotionnellement s'harmonisent parfaitement avec l'esthétique renaissanciste qui était alors à nouveau louée.

Dans l'art néerlandais, des comparaisons peuvent être faites avec les œuvres classicistes de Jacob de Wit et Gerard de Lairesse, qui aspiraient également à un langage visuel élevé. Sur le plan international, il existe une parenté avec des artistes tels qu'Anton Raphael Mengs et Pompeo Batoni, qui considéraient Raphaël comme un exemple de référence dans leur travail.

Conclusion

Cette huile sur cuivre du XVIIIe siècle tardif est une reproduction soigneusement réalisée d'une œuvre clé de la cycle vaticane de Raphaël. La thématique dramatique de la destruction de Sodome, combinée à la clarté classique de la composition et à la technique raffinée, en fait une œuvre qui possède non seulement une valeur artistique mais aussi iconographique.

Le tableau reflète l'influence durable du langage visuel de Rafaël, qui, des siècles après sa mort, servait encore de modèle pour l'art religieux et académique. Une œuvre représentative et historiquement pertinente, proposée lors de cette vente aux enchères sans prix minimum.

L'œuvre 'Lot en fuite de Sodome' est encadrée d'une nouvelle moulure en bois rouge/marron, dorée en or et en bronze.

Dimensions totales : 66,5x76cm
Dimensions de la plaque : 53,5x63 m

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